Wydruki wielkoformatowe, techniczna perfekcja i bezosobowa wizja: to cechy charakterystyczne niemieckich fotografów zwanych potocznie szkołą fotograficzną w Düsseldorfie, grupą artystów studiujących z dwoma mistrzami fotografii XX wieku, Berndem i Hillą Becher - kilkoma z nich stał się jednym z najbardziej udanych współczesnych artystów na świecie. Dowiedz się więcej na naszej wyselekcjonowanej liście dziesięciu niemieckich fotografów, których powinieneś znać.
Esther Teichmann
Niemiecko-amerykański artysta fotografik, Esther Teichmann, dorastał w dolinie Renu i wcześnie zapoznał się z twórczością niemieckich malarzy, takich jak Matthias Grunewald i Lucas Cranach. Silne tematy, które charakteryzowały ich twórczość - erotyzm, przemoc i wyobrażone krajobrazy - w dużej mierze wpłynęły na jej twórczość. Nagie lub półnagie ciała ludzkie pogrążone w ciemnej atmosferze są widoczne w jej projektach i służą do odkrywania źródeł pożądania i relacji, jaką ma z traumatycznym odpowiednikiem: stratą. Jej najnowsza seria, Mitologie, robi to poprzez przedstawienie odwróconych ciał przedstawionych w wyobrażonych, mitycznych krajobrazach.
Esther Teichmann, z serii „Fraktalne blizny, słona woda i łzy” Dzięki uprzejmości artysty
Bernd i Hilla Becher
Chociaż obecnie nie są najgorętszymi fotografami - Bernd zmarł w 2007 roku - żaden artykuł o niemieckiej fotografii współczesnej nie mógł się obyć bez wspominania o zespole męża i żony Bernda i Hilli Becher. Ten niezwykle wpływowy duet artystów zaczął współpracować pod koniec lat 50., dokumentując zanikającą architekturę przemysłową (silosy, magazyny, piece, zbiorniki, chłodnie kominowe i inne) w całych Niemczech na serii bezosobowych zdjęć zawsze wykonywanych tym samym, klinicznym podejście i często przedstawiane w siatkach. Mistrzowie gatunku fotograficznego typologii, rezonans ich pracy na międzynarodowej fotografii współczesnej, mają ogromne znaczenie. Od połowy lat 70. do połowy lat 90. Bernd Becher wykładał fotografię w Kunstakademie Düsseldorf, współpracując z grupą fotografów, którzy są obecnie jednym z najbardziej uznanych (i najlepiej sprzedających się) współczesnych artystów na świecie.
Andreas Gursky
W 2011 r. Obraz rzeki Ren przepływającej przez pola zielonej trawy, zwanej „Rhein II”, został sprzedany za 2, 7 miliona funtów (lub 4, 3 miliona dolarów). Jest to jak dotąd najdroższe zdjęcie, jakie kiedykolwiek sprzedano. Zostało zrobione w 1999 roku przez Andreasa Gursky'ego. Grafika ma wymiary 190 x 360 cm (73 x 143 cm) - a duży format jest charakterystyczną cechą tego artysty, przedstawiciela Dusseldorf School of Photography, szkoły, która miała ogromny wpływ na całą sztukę współczesną. Pomimo „Rhein II”, Andreas Gursky jest najbardziej znany ze swoich fotografii stworzonych przez człowieka przestrzeni, takich jak fasady budynków, rzędy supermarketów, lobby hotelowe i giełdy papierów wartościowych, a także przestrzeni zajmowanych przez gęste tłumy cieszące się wolnym czasem.
Thomas Struth
Wielkoformatowy i precyzyjny, oderwany obraz to także dwie główne cechy stylu Thomasa Strutha, kolejnego ucznia szkoły fotograficznej w Düsseldorfie. Do najwcześniejszych projektów Struth należą seryjne zdjęcia pustych ulic w miastach takich jak Düsseldorf, Paryż, Nowy Jork i Tokio. Od połowy lat osiemdziesiątych Struth zaczął robić wielkoformatowe portrety rodzin na całym świecie, wprowadzając w ten sposób element ludzki do swojej pracy. Z jego najnowszej serii najbardziej udane i fascynujące są obserwacje zwiedzających muzeum, które oglądają dzieła sztuki wystawione w Musée du Louvre w Paryżu, Muzeum Pergamon w Berlinie lub Museo del Prado w Madrycie, rodzaj obrazu, który się zwielokrotnia spojrzenie fotograficzne.
Candida Höfer
Candida Höfer, jedyna kobieta z grupy School of Photography w Düsseldorfie, jest najbardziej znana z serii imponujących, dużych zdjęć pustych przestrzeni społecznych. Muzea, biblioteki, biura, opery - Höfer fotografuje je wszystkie, gdy są całkowicie pozbawione ludzkiej obecności, z wysokiego punktu obserwacyjnego i z nieomylną precyzją techniczną. W ten sposób Höfer stara się zbadać te przedmioty i cechy przestrzeni, które nadają im znaczenie jako środowisko społeczne. W przeciwieństwie do swoich kolegów z Düsseldorfu, Höfer była niezmiennie konsekwentna przez całą karierę, zarówno pod względem wybranego przedmiotu, jak i podejścia koncepcyjnego.
Candida Höfer, Palacio de Bellas Artes Ciudad de México III 2015 Dzięki uprzejmości Galería OMR
Axel Hütte
Podczas gdy Andreas Gursky patrzył na środowiska stworzone przez człowieka, Thomas Ruff robił portrety, Thomas Struth obserwował tłumy muzeów, a Candida Höfer uchwycił puste przestrzenie społeczne, Axel Hütte zwrócił się do natury. Mniej znany artysta ze szkoły fotograficznej w Düsseldorfie, ale nie mniej dobry, w pierwszej części swojej artystycznej eksploracji Hütte faktycznie dokumentował wnętrza domu i miejskie krajobrazy. Jednak od wczesnych lat 2000 Hütte zajmował się podróżowaniem i fotografowaniem lodowców, stawów, jaskiń i spowitych mgłą gór, nigdy nie zdradzając bezosobowego, pozbawionego emocji podejścia typowego dla Becherów. Obrazy Hütte nie są fotografiami pięknych naturalnych krajobrazów, ale zachęcają widza do refleksji nad nieprzeniknioną, przytłaczającą tajemnicą natury.
Axel Hütte, Raucheck, Austria z serii Nowe góry, 2011 © Axel Hütte. Dzięki uprzejmości Fondazione Fotografia
Michael Schmidt
Chociaż Michael Schmidt zmarł w 2014 roku, jego praca ma pozostać wpływowa dla wielu przyszłych pokoleń fotografów. Śmierć Schmidta nastąpiła zaledwie kilka dni po otrzymaniu Prix Pictet, prestiżowej nagrody wyróżniającej prace fotograficzne związane z zagadnieniami środowiskowymi. Niemiecki fotograf został uhonorowany wyróżnieniem za najnowszy projekt Lebensmittel, aresztujący serial dokumentalny, który kronika siedmioletniego śledztwa Schmidta w sprawie globalnego przemysłu spożywczego. Wcześniejsze prace Schmidta, wierzące w siłę sekwencji fotograficznej, były głównie poświęcone jego rodzinnemu miastu, Berlinowi. Szczególnie cenne są jego obrazy architektury miasta i mieszkańców z lat poprzedzających upadek muru.
Michael Schmidt, Bez tytułu, 2006–10. Dzięki uprzejmości Stiftung für Fotografie und Medienkunst mit Archiv Michael Schmidt i Galerie Nordenhake Berlin / Stockholm
Michael Wolf
Urodzony w Niemczech fotograf z Hongkongu Michael Wolf jest zagorzałym i krytycznym obserwatorem współczesnego życia we współczesnych metropoliach świata. Jego pierwszy duży osobisty projekt, The Real Toy Story, dokumentuje alienujące warunki pracy w chińskich fabrykach zabawek. Zdjęcia były eksponowane na ścianach całkowicie pokrytych tysiącami małych zabawek podobnych do tych produkowanych w tych fabrykach. Kolejna znana seria Wolfa, Tokyo Compression, to fascynująca seria portretów mieszkańców Tokio przyciśniętych do siebie i okien pociągu metra. W przypadku Architecture of Density Wolf wykonał z bliska zdjęcia potwornych drapaczy chmur w Hongkongu, nie pozostawiając miejsca na nic poza kadrem, ale beton, i nie było miejsca, w którym widz mógłby „oddychać”.
Michael Wolf, z serii Architecture of Density Dzięki uprzejmości artysty
Thomas Ruff
Najwcześniejsze dzieło Thomasa Ruffa, seria Portrety wykonane w pierwszej połowie lat osiemdziesiątych, pozostaje jego najbardziej popularnym i uderzającym. Jest to seria portretów osób w wieku 25–35 lat, wykonana dokładnie w stylu zdjęcia paszportowego, ale wydrukowana w formacie 210 x 165 cm. Duży rozmiar, zimne, neutralne podejście fotografa, seryjny charakter fotografii i niewyraźne twarze fotografowanych osób tworzą imponującą pracę, w której człowiek staje się całkowicie typowy, podobnie jak nauczyciel Ruffa z Wyższej Szkoły Fotografii w Düsseldorfie wcześniej zrobione z niemiecką architekturą przemysłową. Nowsze projekty Thomasa Ruffa - Nudes, rowery i ma.rs - są bardziej zainteresowane badaniem możliwości medium fotograficznego i wykorzystaniem fotografii w Internecie.
