Za każdym artystą płci męskiej stoi kobieta, która odmówiła jej uznania. Po przemyśleniu historii ruchów artystycznych, które pomogli stworzyć, nie mogli swobodnie poruszać się w znakomitych kręgach społecznych i instytucjach otwartych na swoich męskich odpowiedników, a często odnosili sukcesy finansowe, na które zasługują pośmiertnie, są to niesamowite kobiety, zarówno artystki, jak i żyjące zmarłych, którzy dziś wykroili swoje miejsca w najbardziej prestiżowych i drogich domach aukcyjnych na świecie.
Georgia O'Keeffe © Michael McLean
Georgia O'Keeffe (1887–1986)
Znana jako „Matka amerykańskiego modernizmu” Georgia O'Keeffe znajduje się na szczycie tej listy o milę kraju. Jej obraz Jimson Weed / White Flower no. 1, ukończony w 1932 r., Sprzedany na aukcji Sotheby's w Nowym Jorku w 2014 r. Za oszałamiającą 44, 4 mln USD. O'Keeffe była szczególnie znana ze swoich obrazów powiększonych kwiatów, na które wpłynęła ewoluująca forma i styl amerykańskich modernistycznych fotografów, ale także wiele uwagi poświęciła uchwyceniu wyjątkowego piękna krajobrazu północnego Nowego Meksyku - ulubionego celu podróży i ostatecznie adoptowany dom. Prace O'Keeffe, w zgodzie ze światem przyrody, wykorzystywały muzyczne, emocjonalne i bardzo wrażliwe podejście do sposobu, w jaki kolor i forma grają ze sobą i przeciwko sobie.
„Maman” de Louise Bourgeois © Jean-Pierre Dalbéra
Louise Bourgeois (1911-2010)
Choć „kobieca” mogła być przedmiotem wielu prac francuskiej rzeźbiarki Louise Bourgeois, produkującej różnorodne rzeźby o charakterze seksualnym przedstawiające kobiecą formę przez całą karierę, konsekwentnie opierała się idei, że jest artystką feministyczną. Niemniej jednak w latach siedemdziesiątych Bourgeois zaangażował się w grupę działaczy feministycznych zwanych Fight Censorship Group, kwestionując restrykcyjną cenzurę zdjęć o charakterze jednoznacznie seksualnym. Jej późniejsza praca, którą kontynuowała do śmierci w 2010 roku w wieku 98 lat, broniła praw społeczności LGBTQ. Najsłynniejsze dzieła Bourgeois - i te, które umieściły ją na tej liście - to jej gigantyczne rzeźby pająków (o imieniu Maman), po raz pierwszy odlane w 1997 r. I powielone w różnych wydaniach i różnych materiałach w kolejnych latach, najmniejsza zdobiąca srebrną broszkę i największa pozycja na 30 stóp. Bourgeois twierdził, że jej fiksacja z pajęczakami reprezentowała jej relacje z matką. Brązowa wersja sprzedana w Christie's za 28, 2 mln USD w 2015 roku.
Le Jour ni l'Heure 8739: Joan Mitchell © Renaud Camus
Joan Mitchell (1925-1992)
Urodzona w Chicago artystka Joan Mitchell znajduje się na szczycie listy pod względem ogólnej wartości swojego dorobku, jej obrazy zyskały 286 milionów dolarów w latach 2005-2015. Sprzedała także ponad 3000 dzieł - ponad 2500 sztuk więcej niż Cindy Sherman - kolejna najwyżej oceniana artystka pod względem wielkości. Urodzony w 1925 r. Mitchell był czołową postacią drugiego pokolenia amerykańskich ekspresjonistów abstrakcyjnych i jedną z niewielu kobiet działających w interdyscyplinarnej szkole nowojorskiej w latach 50. XX wieku. Malarstwo Mitchella, szczególnie pod wpływem stylu i wrażliwości Van Gogha we wczesnych latach, charakteryzowało się energicznymi pociągnięciami pędzla, żywym kolorem i niezwykle emocjonalnym, ekspresyjnym podejściem do jej sztuki. Jej obraz Bez tytułu sprzedany w 1960 roku sprzedano za prawie 12 milionów dolarów w 2014 roku.
Berthe Morisot (1841-1895)
Berthe Morisot, najstarsza artystka z tej listy, była francuskim malarzem impresjonistycznym i, wraz ze swoją siostrą Edmą, bardzo szanowanym talentem wśród paryskich środowisk artystycznych, mimo że ich płeć uniemożliwiała im wstęp do oficjalnych instytucji artystycznych. Jedna trzecia „les trois grandes dames” krytyka sztuki Gustave'a Geffroya zrobiła swoją pierwszą publiczną wystawę w cenionym Salon de Paris. W ciągu swojego życia Morisot sprzedała kilka wielkich nazwisk z ruchu impresjonistów, w tym Moneta i Renoira, i wystawiała się z impresjonistami co roku, ale jedno od 1874 roku. Jej obrazy przedstawiały tematy z życia domowego w społeczeństwie francuskim wyższej klasy, a także martwe natury i wiejskie krajobrazy. Après le déjeuner, namalowana w 1881 roku i sprzedana za 11 milionów dolarów w 2013 roku, jest jej dziełem o najwyższej wartości.
Berthe Morisot, The Cradle, 1872, Musée d'Orsay, Paris Wikicommons
Natalia Sergeevna Goncharova (1881-1962)
Rosyjska awangardowa artystka Natalia Sergeevna Goncharova była naprawdę wszechstronna. Artysta, malarz, projektant kostiumów, pisarz, ilustrator i scenograf, Goncharova był członkiem założycielem szkoły artystów Jack of Diamonds utworzonej w Moskwie w 1910 roku. Jedna z największych i najbardziej wpływowych grup sceny wczesnej rosyjskiej awangardy, Jack of Diamenty powstały po to, by rzucić wyzwanie postrzeganej rosyjskiej scenie artystycznej po wydaleniu kilku artystów z Moskiewskiej Szkoły Malarstwa, Rzeźby i Architektury za naśladowanie współczesnego stylu zachodniego. Demonstrując fascynację etnicznym rosyjskim prymitywizmem i sztuką ludową podczas swojej wczesnej kariery - która doskonale łączyła się z jej antymiejską, wiejską wrażliwością - Goncharova miała później stać się pionierem innowacyjnego rosyjskiego ruchu futurystycznego. W 2007 roku Goncarova na krótko stała się najdroższą artystką na świecie, po tym, jak jej obraz z 1909 roku Picking Apples sprzedał się za rekordową kwotę 9, 8 miliona dolarów, a Les Fleurs w 2008 roku za 10, 8 miliona dolarów.
Natalia Goncharova, The Cyclist, 1913, The Russian Museum, St.Petersburg Wikicommons
Agnes Martin (1912-2004)
Kanadyjsko-amerykańska artystka Agnes Martin była wybitną postacią i jedną z niewielu kobiet w zdominowanym przez mężczyzn ruchu abstrakcyjnym. Podobnie jak Georgia O'Keeffe, Martin osiadła na stałe w Nowym Meksyku, a jej prace czerpią wyraźną inspirację ze środowiska stanowego - choć jej twórczość bardzo różni się od żywych, kolorowych obrazów tego pierwszego, zamiast tego kieruje swoją inspirację w subtelne, delikatne i stonowane pranie kolorów. Pracując wyłącznie w kolorze brązowym, czarnym i białym przed przeprowadzką do Nowego Meksyku, nie ma wątpliwości co do roli, jaką odgrywa w jej twórczości wyjątkowy i mistyczny pustynny krajobraz. Martin jest znana z kwadratowych obrazów wypełnionych jasnymi siatkami i powtarzającymi się liniami, a jej obraz Orange Grove sprzedał się w tym roku za 10, 7 miliona dolarów.
Klasa sztuki w naszej retrospektywie #AgnesMartin. #regram przez @ayeflevet #LACMAPlusYou #lacma
Zdjęcie opublikowane przez Muzeum Sztuki Hrabstwa Los Angeles (@lacma) 3 lipca 2016 o 13:24 PDT
Cady Noland (ur. 1956)
„The American Nightmare” to samozwańcza tematyka amerykańskiego postmodernistycznego rzeźbiarza Cady'ego Nolanda. Noland wykorzystuje swoje medium do przeprowadzania gwałtownych ataków na współczesną kulturę amerykańską - obsesję na punkcie celebrytów, glamour lub fiksację przemocą - komentując to, co postrzega jako rozdrobnioną tożsamość społeczną Ameryki. Rzeźba Noland z 1989 r. Bluewald, która bada zabójstwo Johna F. Kennedy'ego i późniejsze zabójstwo jego zabójcy, Lee Harveya Oswalda, sprzedana w 2015 r. Za 8 milionów dolarów, dzięki czemu zyskała miano jedynego żyjącego artysty na tej liście. Składa się z obrazu Oswalda w jego chwilach śmierci, wysadzonego w powietrze i wydrukowanego na aluminium, wypełnionego powiększonymi dziurami po kulach oraz z bawełnianą amerykańską flagą wypchaną do ust.
Szczęśliwego 4 lipca! #cadynoland ten utwór nie ma jeszcze tytułu, 1989 # piwery # flagi # rusztowania #paint and #mixedmedia #rubellfamilycollection #Miami
Zdjęcie opublikowane przez Julien Gardair (@juliengardair) 4 lipca 2016 o 11:39 PDT
Tamara de Lempicka (1898–1980)
Tamara de Lempicka, polska malarz w stylu art deco, jest często reklamowana jako „pierwsza artystka, która jest gwiazdą glamour”. Glamour z pewnością odegrał znaczącą rolę w wielu swoich obrazach, a artystka często maluje towarzyskie i królewskie w całej Europie i Ameryce Północnej, stając się ulubioną artystką w Hollywood. Jako uchodźca z I wojny światowej, Lempicka rozwinęła zmysłowe podejście do miękkiego kubizmu, starając się zarabiać na życie w Paryżu. Lempicka w pełni przyjęła ducha lat dwudziestych, przyjmując artystyczny styl życia, mieszając się z artystami takimi jak Pablo Picasso i odrzucając obyczaje społeczne, aby bezwstydnie objąć swoją biseksualizm. Le rêve (Rafaëla sur fond vert) Lempickiej sprzedała się w 2011 roku za 8, 4 miliona dolarów, a malarz zaliczył niektóre z najbardziej znanych nazwisk wśród swoich lojalnych kolekcjonerów, w tym Madonnę, Jacka Nicholsona i Barbarę Streisand.
Tamara de Lempicka, Le Jour ni l'Heure © Renaud Camus / Flickr
Camille Claudel (1864–1943)
„Camille Claudel zainspirowała jednego ze wspaniałych artystów na świecie” - tak często dzieje się historia burzliwego związku francuskiego rzeźbiarza i projektanta graficznego Camille Claudel z Augustem Rodinem, jej blaskiem artystycznym znikającym z blasku reflektorów. Będąc młodą dziewczyną o szlachetnych urodzinach, Claudel żywiła niezwykłą fascynację kamieniem i ziemią, co miało później doprowadzić ją do środka rzeźby. Claudel była znana z dynamicznych, lirycznych i teksturowanych rzeźb nagich postaci, a krytyk sztuki Octave Mirbeau ogłosił ją „Buntem przeciwko naturze: geniuszem kobiety”. Claudel miała niestabilną naturę i niestety zniszczyła znaczną część swojej pracy podczas napadów wściekłości i paranoi. W 1913 r. Została przyjęta do szpitala psychiatrycznego na polecenie brata - pomimo protestów prasy i przyjaciół. Miała pozostać zamknięta w instytucjach aż do swojej śmierci ponad 30 lat później i została pochowana w nieoznaczonym, masowym grobie w Asile de Montdevergues. La valse, wersja permière (1893) sprzedana za 8 milionów dolarów na aukcji Sotheby's w Londynie w 2013 roku.
Rzeźba Camille Claudel © Pierre Andre Leclercq
