Podążając śladami pionierów sztuki kinetycznej, takich jak Wen-Ying Tsai, który zmarł w styczniu 2013 r., Artyści z całych Chin, w tym z Tajwanu i Hongkongu, coraz częściej eksperymentują z nowymi mediami. Wiele młodych pokoleń pracuje z oprogramowaniem i robotyką, aby tworzyć interaktywne i wciągające instalacje kinetyczne, od performatywnego do partycypacyjnego, i wszystkie są zaskakująco cudownymi przykładami na rozwijającej się scenie sztuki robotów.
Wymiar +
Dimension + to nowy zespół kreatywny sztuki medialnej założony przez dwóch artystów z Tajwanu i Hongkongu, Eschera Tsai i Keith Lam. Kolektyw koncentruje się na połączeniu sztuki i technologii. Ich projekty koncentrują się na osadzaniu nowych mediów w kosmosie i nowych sztuk medialnych w przemyśle, tworzeniu interdyscyplinarnego interaktywnego projektu i poprawianiu wrażeń publiczności podczas interakcji. Dimension +, oparty na erze cyfrowej, ma na celu zniwelowanie dychotomii między cyfrowym a fizycznym, poprzez przeniesienie niewidzialnego i cyfrowego do widocznego i namacalnego elementu, co osiąga się poprzez połączenie mediów analogowych i cyfrowych.
Dimension + zdobył wiele międzynarodowych nagród i wystawiał na międzynarodowych festiwalach, wystawach i wydarzeniach, w tym we Włoszech, Austrii, Japonii, Pekinie, Szanghaju, Kantonie, Hongkongu i na Tajwanie.
Signal Morphor: Orchestra to interaktywna i performatywna instalacja, która przekształca komunikację w partyturę i nadaje „życie” niematerialnym (lub niematerialnym) sygnałom. Publiczność jest wykonawcą, a komunikacja jest tłumaczona na audiowizualne. Grupa tancerzy z parasolami działa jako rodzaj ludzkich anten, tłumacząc lub dekodując sygnały komunikacyjne, reagując na otrzymywane informacje i reagując na nie.
Seria prac zatytułowana Vertebra, ostatnio zaprezentowana na festiwalu sztuki cyfrowej w Tajpej w 2013 r. Oraz w The Innovationists, pokazuje wystawę sztuki kinetycznej i robotyki w K11 Mall w Hongkongu oraz w Muzeum Sztuki Współczesnej w Tajpej. Prace wykorzystują papier jako główny materiał i są reprodukcjami kręgosłupów, które mają strukturę i solidność zwierząt, a także miękkość i sprężystość roślin, tworząc hybrydowy prototyp „idealnego” stworzenia.
Eric Siu
Eric Siu jest artystą nowych mediów w Hongkongu, zajmującym się sztuką urządzeń, sztuką interaktywną, kinetyką, instalacją, wideo i animacją. Obecnie pracuje jako dyrektor kreatywny w Great Works Tokyo, agencji reklamowej, a od 2008 r. Jest członkiem zarządu Videotage w Hongkongu. W 2005 r. Uzyskał tytuł licencjata w Creative Media na City University of Hong Kong, a następnie ukończyć 12-miesięczny projekt wymiany kulturalnej i badań w Stanach Zjednoczonych. Jego prace wideo i multimedialne były wystawiane na całym świecie, w tym w instytucjach i na nowatorskich wydarzeniach związanych ze sztuką medialną, takich jak ZKM Karlsruhe, MOCA Taipei, Transmediale, SIGGRAPH Asia, ISEA, Microwave.
Jego najbardziej popularne dzieło Touchy zdobyło uznanie krytyków i pierwszą nagrodę na WRO 2013, 15. Międzynarodowym Biennale Sztuki Mediów, Wrocław, Polska, a także znalazło się na Discovery Channel i innych międzynarodowych publikacjach medialnych. Touchy to „ludzki aparat” - osoba nosząca aparat - który robi zdjęcie, gdy jest dotykane przez ponad 10 sekund. Noszone urządzenie kasku ma funkcje kamery składającej się z pary automatycznych migawek, działającej kamery i interaktywnego ekranu. Dotyk jest przez większość czasu ślepy za okiennicami, a grafika jest w rzeczywistości przekształceniem człowieka w aparat. Artysta nazywa to dzieło „fenomenologicznym eksperymentem interakcji społecznych, który koncentruje się na relacji dawania i otrzymywania poprzez dosłowne przekształcenie człowieka w kamerę”. Dla artysty praca ta ma na celu uzdrowienie społecznych lęków ery cyfrowej poprzez tworzenie zabawnych interakcji. W obecnej erze technologicznej odczłowieczono kontakt fizyczny, a interakcje społeczne coraz częściej odbywają się wirtualnie i cyfrowo. Touchy rozwiązuje te problemy, umożliwiając interakcje z nieznajomymi, obejmujące kontakt fizyczny i połączenie człowieka z urządzeniem technologii społecznej: kamera, która z kolei jest narzędziem do dzielenia się wspomnieniami, chwilami, emocjami, pięknem.
Xia Hang
Xia Hang (ur. 1978, Shenyang, prowincja Liaoning, Chiny) zaczął malować, gdy miał 10 lat i ukończył z wyróżnieniem BFA Akademii Sztuk Pięknych Lu Xuna i MSZ Wydziału Rzeźby Centralnej Akademii Sztuk Pięknych w Pekinie (CAFA). Podczas swojego pobytu w CAFA Xia zaczął robić rzeźby męskie w kształcie przecinka z polerowanej stali nierdzewnej, które były prekursorami jego obecnych mechanicznych rzeźb obcych.
Xia Hang stworzył serię kosmicznych rzeźb, które wraz z mechanizmami poruszają się, rozciągają i zmieniają formę przy interakcji z publicznością. Artysta stworzył takie interaktywne prace, które po raz pierwszy pokazano na wystawie w Pekinie w 2008 r., Zatytułowane Proszę nie dotykać (z przekreślonym „dotykiem”), przeciwstawiając się jednej zasadzie muzeów i galerii, która zabrania dotykania dzieł sztuki. Xia Hang czuł, że ten znak jeszcze bardziej odciął widza i dzieło, więc postanowił stworzyć dzieła, które zbliżyłyby ich do siebie, tworząc rzeźby przypominające zabawki.
Xia Hang stworzył również LM1 (Legacy Machine No. 1) we współpracy z MB&F. Praca jest zegarkiem, który zachowuje wszystkie atrakcyjne cechy XIX-wiecznego zegarka kieszonkowego, oryginalnego LM1. Wersja Xia Hang przedstawia nową funkcję w postaci miniaturowej rzeźby ze stali nierdzewnej przedstawiającej mężczyznę, który wskazuje rezerwę mocy zegarka. 'Pan. W górę, rzeźba siedząca prosto, gdy ruch jest w pełni uzwojony, powoli przekształca się w „Mr. W dół ”, garbiąca się postać, gdy moc maleje.
Wu Xiaofei
Wu Xiaofei (Dyson) ukończył studia licencjackie w dziedzinie sztuk pięknych w Batley School of Art and Design, Dewsbury College, Wielka Brytania. Obecnie Wu ma siedzibę w Chengdu i uczy się tradycyjnej sztuki cięcia papieru i pracy nad projektem kinetycznym. Dorastając jako młody introwertyczny chłopiec, Wu miał pasję rozbierać rzeczy na części i odbudowywać je od podstaw. Odkrycie usterki i znalezienie rozwiązania zbliżyło go do opracowania własnych prac mechanicznych. Wu koncentruje się na tworzeniu urządzeń i instalacji kinetycznych, które wymagają interakcji społeczeństwa i pobudzają ich ciekawość.
Musical Maszyna do pisania jest przykładem jego interaktywnych instalacji, zachęcających młodych ludzi i dorosłych do zabawy. Zwykle używanie maszyny do pisania jest prostym działaniem polegającym na pisaniu, które pozwala użytkownikowi dowiedzieć się, jaki jest rezultat naciśnięcia klawiszy. W instalacji Wu klucze są podłączone do szeregu żyłek połączonych z małymi młotkami. Po naciśnięciu klawiszy młoty uderzą w różne przedmioty, takie jak puste słoiki do sosów makaronowych, puszki, butelki, folie, wytwarzając różne dźwięki. Połączenia są nieznane publiczności, co powoduje nieprzewidywalną eksplozję dźwięku. Obecnie Wu stara się uzyskać fundusze lub sponsoring od Ikei, aby ulepszyć projekt i poprawić swoje zaplecze.
Samson Young
Samson Young (ur. 1979) jest kompozytorem, dźwiękiem i artystą nowych mediów z Hongkongu z prawie onieśmielającym imponującym CV. Uzyskał tytuł licencjata w dziedzinie muzyki, filozofii i gender studies na Uniwersytecie w Sydney w 2002 r. Oraz tytuł magistra kompozycji muzycznej na Uniwersytecie w Hongkongu w 2007 r. Posiada doktorat z kompozycji muzycznej na Uniwersytecie Princeton (USA) i jest asystentem profesor Critical Intermedia Art w School of Creative Media, City University of Hong Kong. Jego mentorami są Chan Hing-Yan i Paul Lansky. Young wystawiał i występował na arenie międzynarodowej, w tym Międzynarodowy Festiwal Nowej Muzyki w Sydney Springs (Australia 2001), Międzynarodowy Festiwal Muzyki Canberra (Australia 2008), Światowe Dni Muzyki ISCM (Australia 2010), Festiwal Muzyki i Sztuki MONA FOMA (2011), Kuchenka mikrofalowa Międzynarodowy Festiwal Sztuki Nowych Mediów (HK 2004), między innymi. W 2007 roku był pierwszym artystą z Hongkongu, który zdobył nagrodę Bloomberg Emerging Artist Award dzięki swojemu audiowizualnemu projektowi The Happiest Hour.
Pomimo tego sukcesu w ekstremach, Young jest również refleksyjny i zamyślony, cechy, które przejawiają się w jego pracach. Jego Maszyny do robienia nic (2011-2014) to zbiór małych obiektów elektronicznych, które oprócz tego, że służą do zabawy, nie mają żadnej funkcji ani znaczenia. Ich istnienie dowodzi, jak interaktywność może być uwodzicielska, a nawet uzależniająca, a dzieło sztuki bada „przyjemność estetyczną interakcji człowiek-maszyna” na najbardziej podstawowym poziomie. Sonata fortepianowa Beethovena nr 1-14 (Senza Misura) składa się z 47 otwartych obwodów makietowych, które działają jako elektroniczne metronomy. Każde z tych małych urządzeń tyka i mruga, zaznaczając tempo jednego z ruchów sonaty.
Annie Wan
Annie Wan jest artystką nowych mediów z Hongkongu. Ukończyła studia licencjackie w zakresie kreatywnych mediów na City University of Hong Kong w 2002 r. Oraz tytuł magistra w zakresie stosowanej technologii informacyjnej (sztuka i technologia) na Chalmers University of Technology, Szwecja w 2005 r. W 2012 r. Uzyskała stopień doktora nauk cyfrowych oraz Experimental Media z University of Washington, USA. Obecnie jest adiunktem w School of Communication (Academy of Film), Hongkong Baptist University. Wan wystawiał na arenie międzynarodowej na festiwalach, wydarzeniach i wystawach, w tym Multimedia Art Asia Pacific Conference 2004 (Singapur), ZeroOne / ISEA 2006 (San Jose, Stany Zjednoczone), pawilon francuski na 10. Biennale Architektury w Wenecji. W 2009 roku zdobyła nagrodę Finalistki podczas Asia Digital Art Awards 2009, Fukuoka, Japonia.
Prace Annie Wan koncentrują się głównie na mediach lokalizacyjnych, wbudowanej elektronice i systemach sieciowych. Gdzie jest kurczak? (2008-2009) to publiczna grafika robotyki miejscowej, wspierana przez Hongkong Arts Development Council. Praca funkcjonuje jako narracja, która jest konstruowana przy interakcji robota, jego specyficznej kulturowo lokalizacji i uczestniczącej publiczności. Wcielając się w interakcję publiczną, narrację opartą na współpracy, system automatów i technologię mobilną, praca jest automatyczną mechaniczną formą życia, która nie tylko symuluje rzeczywistość, ale pozwala społeczeństwu angażować się w nią oraz zmieniać, przekształcać i przekręcać postrzeganie takiej rzeczywistości. Poprzez interakcję z instalacją publiczność współpracuje w jej rozwoju, a także w kontynuacji narracji wokół spektaklu. Publiczność pomaga również w zestawieniu „mapy kurczaka” miasta, dzieląc się swoimi doświadczeniami z artystą.
Shyu Ruey-Shiann
Shyu Ruey-Shiann (ur. 1966, Tajpej) ma obecnie siedzibę między Tajpej a Nowym Jorkiem. Wystawiał na arenie międzynarodowej, między innymi w National Taiwan Museum of Fine Arts i Museum of Contemporary Art w Taipei, Chelsea Museum of Art w Nowym Jorku, Hong Kong Arts Centre i Perth Institute of Contemporary Arts w Australii.
Shyu znany jest z tworzenia mechanicznych i kinetycznych rzeźb, które powstały w 1997 roku, a które wykorzystują formę mechaniczną jako abstrakcyjny język, który przekazuje swoje pomysły i uczucia życiu, wspomnieniom i problemom dotyczącym środowiska, polityki i społeczeństwa. Jego złożone mechanicznie prace składają się z tysięcy elementów zaprojektowanych i wykonanych przez samego artystę, zachowują jednak prosty wygląd i sprawiają wrażenie prostoty.
One Kind of Behavior to jego najnowsze dzieło, publiczna instalacja zewnętrzna, która będzie teraz pokazywana w Bronx Museum of Art w Nowym Jorku do 17 sierpnia 2014 r. Instalacja składa się z kilkudziesięciu stalowych wiader tego samego rozmiaru, rozrzuconych na podłodze tarasu i falujących według własnego rytmu. Praca jest inspirowana quasi-mechanicznym ruchem pustelników, których powolne ruchy kontrastują z prędkością, z jaką porusza się współczesne społeczeństwo. Pustelnik używa również skorup odrzuconych przez inne gatunki, a Shyu uważa to za metaforę naszej ludzkiej kondycji. Artysta prosi nas, abyśmy zastanowili się nad naszym środowiskiem i konsekwencjami ludzkich działań dla przyrody.
Akibo Lee
Akibo Lee (Li Ming-dao) to tajwański artysta zajmujący się sztuką cyfrową i robotyką. Jest znany ze swojej pracy projektowej dla branży muzyki pop na Tajwanie. Wystawiał szeroko na całym świecie, w tym w Hongkongu, Chinach, Tajwanie, Singapurze, Japonii i Stanach Zjednoczonych. Lee angażuje się w interdyscyplinarne prace i tworzy roboty dla różnorodnej publiczności, w tym marki handlowej, sztuki wizualnej, sztuki scenicznej i sztuki publicznej.
Jednym z jego najbardziej znanych dzieł w sferze publicznej jest BIGPOW, robotyczna instalacja składająca się z grupy trzech robotów, dużych i dwóch mniejszych. Zabawne i urocze z wyglądu trzy roboty ukrywają interaktywny komponent za ich pozornie statycznym wyglądem. Roboty to metamorfozy sprzętu hi-fi, a publiczność może podłączyć do nich swoje urządzenia MP3 i publicznie udostępniać swoją muzykę.
Wyrażając zamiłowanie do muzyki elektronicznej, Lee stworzył również dwa tańczące roboty, Ding i Lulubo. Ding jest istotą ośmiorniczą z ośmioma nogami, a Lulubo jest żeńskim robotem o pięknym kształcie. Oba roboty „występowały” w salach tanecznych i teatrze, na Hip Hopie i elektronicznych bitach, a także „współpracowały” z zespołami tanecznymi.
Przez CA Xuan Mai Ardia
