Alberto Giacometti, człowiek, który stworzył plemię smukłych kosmitów z brązu, które teraz można zobaczyć w muzeach na całym świecie, stworzył w pewnym momencie surrealistyczne rzeźby i labiryntowe przestrzenie architektoniczne. Odkryj osiem elementów, które pomogą ci zrozumieć ewolucję współczesnego mistrza.
Łyżeczka
Giacometti przybył do Paryża w wieku 20 lat i szybko wchłonął wszystkie bogate wpływy, jakie oferowała wówczas stolica. Chociaż Bourdelle uczył go rzeźby klasycznej, zainteresowały go także dzieła kubistów i Brancusi. Jednak dzięki odkryciu sztuki afrykańskiej, która była regularnie wystawiana w Paryżu, w końcu oderwał się od wpływów zachodnich i zawłaszczył frontalizm, symbole i metafory tego rodzaju sztuki. W Spoon Woman, jednej z najsłynniejszych jego wczesnych rzeźb, kobieta stoi jako symbol płodności, widziany przez lud Dan w Afryce Zachodniej. Widzimy w nim również wpływy kubistycznych kształtów i początek nieustannego zainteresowania typami kobiet i mężczyzn.
Giacometti, Biennale di Venezia, 1962 © Paolo Monti / Wikicommons
Wpatrująca się głowa
Giacometti stał się sfrustrowany, począwszy od 1925 r., Gdy nie był w stanie wyrazić swojej szczególnej, wewnętrznej wizji anatomii. Aby uciec od tej frustracji, Giacometti zaczął pracować z pamięci. Latem 1927 roku pracował nad serią głów inspirowanych przez matkę i ojca. Flirtując z najnowszymi trendami w rzeźbie i eksperymentach, z wpływami oceanicznymi i afrykańskimi, stworzył Gazing Head w 1928 roku, swój „pierwszy całkowicie oryginalny wynalazek”. Płaska, prostokątna plakietka w napięciu, która jest jednocześnie symboliczna i abstrakcyjna, to właśnie ten przedmiot przykuł uwagę grupy surrealistycznej. Będzie częścią grupy do 1935 r., Kiedy to ponownie zdecyduje się na pracę z modelkami, gotowy do kontynuowania misji uzewnętrznienia swojej wizji.
Nos
Ponad dziesięć lat po tym, jak Giacometti został wyrzucony z surrealistów z powodu swojej potrzeby lub impulsu rzeźbienia według prawdziwych głów i modeli, stał się światowej sławy, oryginalnym i ekscentrycznym artystą reprezentowanym przez Pierre'a Matisse'a w Nowym Jorku, gdzie to rzeźba zostanie zabrana na wystawę w 1947 roku. Le Nez wciąż ma cechy surrealistyczne i groźną aurę, ale jesteśmy teraz w środku zdefiniowanego słownictwa Giacomettiego - iw momencie, w którym zaczyna rozwijać „klatkę”. Dziwna, pozbawiona głowy głowa Pinokia zwisa z żelaznej klatki, której nos wystaje z miejsca przeznaczonego na pracę, „nos dalej wystaje poza granice więzienia”. Wyraz twarzy jest wyrazem udręki i rzeczywiście ten utwór można postrzegać jako związany z jego kontekstem - powojennej egzystencjalistycznej Francji, gdzie Sartre (jeden z najlepszych przyjaciół Giacomettiego) pisał obszernie o niepokoju współczesnego człowieka i który tak często obejmował artystyczną produkcję tamtych czasów.
Nos © Cliff / Flickr
Rydwan
Jak widzieliśmy z Nosem, podczas swojego pobytu w Szwajcarii przez lata wojny Giacometti zaczął integrować struktury i rzeźby. Rydwan przedstawia boginię na rydwanie z bardzo dużymi kołami. Wiemy, że był zainspirowany sztuką innych kultur i epok, a ten przypomina egipskie rydwany, które widział w Muzeum Archeologicznym we Florencji. Nie jest to jednak zwykła gra Giacometti ze sztuką starożytną; jeśli jego smukłe kobiety nie były wystarczająco smukłe, wystarczająco lekkie, Giacometti szukał sposobu na „umieszczenie postaci w pustej przestrzeni” - szczątkowe zawieszenie, jeśli porównamy ją do Nosa, ale zabawny i odważny wyczyn równowagi i ruchu.
Rydwan © Mark B. Schlemmer / Flickr
Pałac o 4 rano
Giacometti był zanurzony w surrealistycznym świecie przez dwa lata, a jego słowami tworzył rzeźby, które w moim umyśle zostały całkowicie zrealizowane. Ograniczyłem się do ich odtwarzania… bez zadawania sobie pytania, co mogą znaczyć. Dzięki temu utworowi Giacometti nadaje swojemu formalnemu językowi, możliwość materiałów, własny protagonizm. Giacometti widział w rzeczywistości „ostrość”, ciała „nigdy nie były dla mnie zwartą masą, ale jak przezroczysta konstrukcja”. Jest to wynik romansu Giacomettiego z kobietą o imieniu Denise, z którą zbudował „fantastyczny pałac nocą” - wyimaginowany świat ich enigmatycznego związku, nadany kształtowi szkieletu architektonicznego.
Plac miejski
Piazza przedstawia grupę figurek, które, choć skamieniałe, wydają się zbliżać do siebie. Jednak znając Giacomettiego, raczej nie rozmawiają ani nie uznają się nawzajem - coś, co tylko podkreśla pustkę, o której już mówiono. Są pochłonięci swoją własną przestrzenią, po raz kolejny, by zniknąć. Jak tłumaczy to artysta: „Na ulicy ludzie zadziwiają mnie i interesują bardziej niż jakakolwiek rzeźba lub obraz. Co sekundę ludzie płyną razem i rozpływają się, a następnie zbliżają do siebie, aby zbliżyć się do siebie. Począwszy od lat 40. XX wieku Giacometti nieustannie pracował nad tymi liczbami, ale ich samotność stała się znacznie bardziej bezpośrednia.
City Square © bobistraveling / Flickr
The Walking Man I / II
Został wystawiony w 1961 roku, a rok później został wystawiony na Biennale Sztuki w Wenecji. Został stworzony na szczycie jego kariery, gdzie eksperymenty z anatomią człowieka ustąpiły miejsca krzepnięciu jego stylu. Bez wątpienia najbardziej symboliczny w praktyce Giacomettiego, łączy w sobie statyczność i ruch, ciężar podmiotu i lekkość materii. W swojej dobrze znanej melancholii szczupli i obcy chodzący mężczyźni „wydają się być pochłonięci przez otaczającą ich atmosferę”. Niezależnie od tego, czy to z własnej woli, czy też nie, brązowi artyści zostali uznani za symbole prymitywnej rzeczywistości życia w drugiej połowie wieku. Przyjaciel egzystencjalistów i sam raczej mroczny człowiek, sztuka Giacomettiego rzuca światło na absurd i kruchość człowieka: „Pustka przenika wszędzie, każde stworzenie ukrywa swoją pustkę”.
Walking Man © Yann Caradec / Flickr
