Jak widzisz te drzewa? Są żółte. Więc włóż żółty; ten cień, raczej niebieski, pomaluj go czystą ultramaryną; te czerwone liście? Umieść w cynobrze. - Paul Gaugin, 1888
Fauwiści, którzy malowali w stylu les fauves (dzikie bestie po angielsku), byli luźnym stowarzyszeniem artystów w pierwszej dekadzie XX wieku, którzy wzięli sobie do serca rady Gauguina. Uważali, że indywidualna ekspresja jest ważniejsza niż realistyczne przedstawienie tematu. Ich prace charakteryzowały się dzikimi pociągnięciami pędzla, intensywnym kolorem i częstymi próbami abstrakcji - mówiąc znacznie więcej o siłach duszy artysty, które działają na płótnie, niż dążeniu do jakiejkolwiek dokładności.
Henri Matisse
Uznany (wraz z Derainem) za lidera Fauvism, twórczość Matisse charakteryzowała się mocnymi kolorami i wykwintną kompozycją. Debiutując ruch wraz z de Vlaminck i Derain w Salonie d'Automne 1905, ruch spotkał się z chłodnym przyjęciem. „Garść farby została rzucona w twarz opinii publicznej” - stwierdził jeden z krytyków. Kolejna zdyskredytowana Kobieta Matisse w Kapeluszu jako „Donatello parmi les fauves!” („Donatello wśród dzikich zwierząt!”).
Jego obraz La Danse z 1910 roku stanowi kulminację tego dzikiego i bestialskiego stylu. Nie tylko dziki i prymitywny w technice, ale sam temat jest pierwotny. Wykorzystując starożytny motyw tańczącego kręgu i upraszczając niebo i ziemię na niebieskim tle i skrawku zieleni, Matisse udało się rozbić historię ludzkości na jej najbardziej nagie elementy.
La Danse (1910) © Anam Il Senzanome / Flickr
André Derain
Początkowo jako współzałożyciel Fauvism wraz z Matisse, Derain był znany szczególnie ze szczególnie odważnego użycia kolorów i szerokich, żywych pociągnięć pędzla. Artysta, który rósł i ewoluował drastycznie, nawet gdy stał się sławny, rozwijał się w drzeworyty i rzeźby, eksperymentował z prymitywizmem i kubizmem, zanim w 1920 roku zajął się malarstwem w bardziej klasycznym stylu. Dzieło fauvist Bateaux à Collioure pokazuje jednak swój styl - impresjonistyczny, nasycony kolorem. Szybkość i intensywność może sugerować frustrację, która doprowadziłaby do jego ostatecznego odejścia.
Bateaux à Collioure (1905) © cea + / Flickr
Raoul Dufy
Często pomijany przez krytyków Raoul Dufy malował odważne i optymistyczne sceny z życia wybranych przez siebie przedmiotów: wyższych klas na Riwierze Francuskiej. Obfitują w sceny imprez ogrodowych, koncertów i jachtów na lśniącym morzu. Dufy, także wielki artysta publiczny, był zaangażowanym muralistą i ilustratorem. Ukończył jeden z największych obrazów, jakie kiedykolwiek wymyślono, La Fée Électricité, fresk poświęcony cudom elektryczności, na Międzynarodową Wystawę w 1937 roku.
L'Apéritif (1908) © supermiagolator / Flickr
Maurice de Vlaminck
Człowiek, który kiedyś zadeklarował, że kocha van Gogha bardziej niż własnego ojca, dzieło Maurice'a de Vlamincka stawia go mocno jako artystycznego syna zmarłego wielkiego Vincenta. W tej tradycji prawie każde płótno, które kiedykolwiek namalował, było przesiąknięte emocjami. Bez względu na to, co namalował - martwe natury, pejzaże, portrety prostytutek lub samotnych alkoholików - prawdziwym tematem konsekwentnie było serce Vlamincka. Zgodnie z artystycznym odbiciem malarza jego paleta kolorów stała się bardziej stonowana z wiekiem, ale dramatyczny i niepowtarzalny styl utrzymywał się.
The Blue House (1906) © Sharon Mollerus / Flickr
