Artysta Henryk Stażewski jest okrzyknięty jednym z niekwestionowanych pionierów europejskiego ruchu awangardowego w XX wieku. Jego życie obejmuje ponad osiem dekad, przekracza granice z Rosji do Francji i znajduje apogeum w eksperymentalnym okresie międzywojennym lat dwudziestych i trzydziestych XX wieku. Dowiadujemy się więcej o Henryk Stażewski, od malarza i kubisty po surrealistycznego projektanta wnętrz.
Geneza filozofii artystycznej Stażewskiego jest ściśle związana z okresem jego studiów w Szkole Sztuk Pięknych w Warszawie w latach 1910-tych. W czasach, gdy w moskiewskich kręgach bolszewickich pojawiali się pierwsi konstruktywistycy, warszawska scena artystyczna również przechodziła transformację - od realistycznego realizmu postaci takich jak Stanisław Lentz do bardziej abstrakcyjnych form, rysując inspiracja z już istniejących szkół awangardowych, takich jak kubizm i rosyjski futuryzm. W związku z tym wszelkie uznanie dla pracy Stażewskiego w następnych dziesięcioleciach należy postrzegać w szerszym kontekście ogólnoeuropejskiego ruchu w kierunku awangardy. Przybierało to formę ściślejszego pragnienia połączenia odpowiednich dziedzin sztuki, polityki, krytyki kulturowej, technologii i nauki.
Henryk Stażewski, Witold S. Kozak, Edward Krasiński (1979). © Witold S. Kozak / Wikicommons
Podróż Stażewskiego od realistycznych i obiektywistycznych form sztuki rozpoczęła się na dobre tuż przed ukończeniem studiów w 1920 r., Kiedy to po raz pierwszy dołączył do polskiego ruchu ekspresjonistycznego. Zaczął pracować i wystawiać swoje prace wraz z artystami takimi jak Tytus Czyżewski i Mieczysław Szczuka, których sztuka była jawnie kubistyczna w formie i skręciła w kierunku nowej polskiej estetyki bardziej zbliżonej do włoskich futurystów i rosyjskich konstruktywistów.
Okres transformacyjny Stażewskiego osiągnął swój szczyt na wystawach sztuki nowej w 1923 r. (W Łodzi i Wilnie), które przyniosły ze sobą założenie polskich grup „Blok” i „Praesens”, które zdominowałyby awangardową scenę w Warszawie przez większą część dekady. Oznaczało to ostateczną realizację marzenia Stażewskiego o narodowej teorii sztuki, która mocno wprowadziła procesy twórcze w sferę społeczną.
Pod koniec lat dwudziestych Stażewski zaczął odkrywać awangardowe oferty Europy, spędzając coraz więcej czasu w Paryżu. Tutaj szybko przyswoił sobie artystów abstrakcyjnych z Cercle et Carré i zaczął eksponować swoje konstruktywistyczne dzieła w dalszej części, aby propagować swoją nową polską estetykę w innych europejskich scenach współczesnej sztuki. Wkrótce Stażewski był pokazywany we Lwowie, Krakowie, Bazylei, Paryżu, a nawet w Nowym Jorku.
Niestety, prawie żaden utwór Stażewskiego stworzony przed II wojną światową pozostaje nienaruszony. Istnieje jednak wiele powodów, aby sądzić, że jego filozofia artystyczna pozostała taka sama, a ikoniczne dzieła, takie jak Relief 6 z 1968 r., Wykazują te same cechy charakterystyczne tego przedwojennego konstruktywizmu: oderwane kształty geometryczne; źle wyrównana tektonika; niepewna przestrzenna rzeczywistość. W rzeczywistości takie prace były początkiem cyklu płaskorzeźb obejmujących lata 60. i 70. XX wieku, które stały się być może najbardziej definitywnym ze wszystkich dzieł Stażewskiego, wyznaczając to, co zdaniem większości krytyków jest szczytem abstrakcji geometrycznej w polskiej sztuce.
W 1965 roku Stażewski po raz kolejny pomógł zjednoczyć śmietankę polskiej awangardy, tworząc słynną warszawską Galerię Foksal, z pomocą krytyków Wiesława Borowskiego, Anki Ptaszkowskiej i Mariusza Tchorka. Galeria rosła w siłę, gdy pod koniec lat 60. XX wieku restrykcje narzucone przez sowiecką cenzurę sztuki zaczęły się zmniejszać. Stażewski zaczął nawet prowadzić zajęcia i wieczory w mieszkaniu państwowym, które przydzielono mu przy pobliskiej ulicy Świerczewskiego.
W końcu to samo mieszkanie zamieni się w świętą ziemię dla wyznawców polskiego ruchu awangardowego, reprezentując doczesną przestrzeń eksperymentów, w której Stażewski - a później także Edward Krasiński - bawi się geometrią, kształtami i nowymi metodami wyrównania, przesuwając granice własnych abstrakcyjnych form.
Również w tym okresie Stażewski wyprodukował swoją kultową serię prac pt. Redukcje, które być może stanowią główne osiągnięcie jego konstruktywistycznych fantazji po wojnie. W tych pracach artysta sprowadza pracę do minimalistycznego zestawu jednolitych kwadratów i przecinających się linii, zachęcając widza do rozważenia podstawowego elementu sztuki i twórczości artystycznej - kształtu. W ten sposób Stażewski był w stanie zrównoważyć krytykę realistycznych tradycji artystycznych poprzedzających awangardę zarówno w Polsce, jak i ZSRR, a także - poprzez ukryte powiązania między konstruktywistyczną kreacją a działaniami społecznymi - pośrednio krytykować status quo polityczne.
Pod wieloma względami to przesłuchanie całego świata określało twórczość Stażewskiego przez całe życie. Niektórzy ludzie rozważają wielkie połacie białej przestrzeni pozostawione puste na jego płótnach i płaskorzeźbach, zastanawiając się, jakie formy lub organiczne stworzenia powinny być obecne, aby stworzyć porządek z subiektywistycznego chaosu. Inni patrzą na obecną geometrię i zastanawiają się nad implikacjami takiego surowego redukcjonizmu dla sztuki i - co najważniejsze - społeczeństwa w ogóle.
