Jeśli nie zauważyłeś, Los Angeles jest pełne przestrzeni wystawowych. LACMA jest domem dla 100 000 dzieł sztuki, co czyni go największym muzeum w zachodnich Stanach Zjednoczonych. Muzeum zostało otwarte w 1965 roku i koncentruje się na przestrzeni historii sztuki i globu. Gdzie zacząć? W LACMA profilujemy dziesięć prac, które musisz zobaczyć.
Płacząca kobieta z chusteczką (1937) Pablo Picasso
Picasso namalował to w 1937 roku w Hiszpanii po ukończeniu słynnego dzieła Guernica, które było protestem przeciwko hiszpańskiej wojnie domowej. Potem Picasso zmienił swój styl malowania na surrealizm, ale nadal często malował płaczącą kobietę. Schwytana kobieta nie tylko reprezentuje jego osobisty niepokój, wielu uważa, że jest to portret jego kochanki i kochanki Dory Maar, ale także przedstawia ofiarę wojny - żonę i matkę pozostawioną w agonii przez zniszczenie. Obraz jest niesamowicie potężny, a także pobudza do myślenia. W muzeum znajduje się szeroki wybór prac Picassa z różnych okresów, dzięki czemu możesz odkryć kolekcję tego wspaniałego artysty.
Zdjęcie Daren DeFrank
Shiva jako Lord of the Dance (ok. 950–1000) Tamil Nadu
Shiva Niszczyciel i Konserwator jest jednym z trzech hinduskich bogów. Inne obejmują Brahmę Stwórcę i Wisznu Preserver. Shiva jest powszechnie popularny i czczony w południowych Indiach. Shiva jest również znany jako patron boga jogi i tańca kosmicznego, który stworzył wszechświat w ciągłych rytmicznych cyklach. W tym przedstawieniu Shiva tańczy wokół płomienia wznoszącego się z lotosowego piedestału, który przez wielu uważany jest za symbol stworzenia. Rzeźba stała się symbolem cywilizacji indyjskiej. Praca ukazuje łaskę Śiwy i boską jedność. Rzeźbę można znaleźć na czwartym piętrze budynku Ahmanson, a po jej obejrzeniu z łatwością można zobaczyć ogromne znaczenie tej rzeźby dla kultury indyjskiej, a także dlaczego obchodzi się ją na całym świecie.
Zdjęcie Daren DeFrank
Wrestlers (1899) Thomasa Eakinsa
Ten obraz jest łatwy do znalezienia w galerii, ponieważ po prostu wymaga twojej uwagi. Nagle jesteś tak oczarowany surowym obrazem, że ciężko jest oderwać wzrok. Eakins uważany jest za jednego z wielkich realistów amerykańskich malarzy dziewiętnastego wieku i łatwo zrozumieć, dlaczego. Obraz wygląda jakby miał miejsce przed tobą z dwoma zapaśnikami splecionymi w meczu. Celem wielu jego prac było uchwycenie „heroizmu współczesnego życia” i często spędzał godziny na tworzeniu tych chwil. Często miał dwóch zawodników, którzy walczyli dla niego, a następnie ustalali, które stanowisko uznał za najbardziej interesujące stylistycznie. Ten obraz jest także jego ostatnim ukończonym na temat ludzkiej postaci i został ukończony pod koniec jego kariery. Uważa się, że reprezentuje on własne frustracje życia. Obraz z pewnością budzi podziw. Kto wiedział, że zmaganie się z demonami może być tak piękne?
Zdjęcie Daren DeFrank
Three Quintains (1964) Aleksandra Caldera
Rzeźba ta jest wyjątkowa nie tylko z powodu elementów projektu w Three Quintains Aleksandra Caldera, ale także dlatego, że została stworzona dla muzeum. Przed otwarciem muzeum utworzono komitet w celu pozyskania rzeźby fontanny dla tego miejsca. Muzeum zaproponowało zamówienie Calderowi, który zgodził się w czerwcu 1964 roku. Laurelle Burton, która była wówczas przewodniczącą Rady Muzeum Sztuki, powiedziała: „Aby człowiek o znaczącej pozycji Aleksandra Caldera jako pierwszy zaprojektował rzeźbę ponieważ nowe muzeum ustanowi standardy dla przyszłych wysiłków artystów i darczyńców ”. Fontanna składa się z prostych form geometrycznych, charakterystycznych dla stylu Caldera, unoszących się w powietrzu i napędzanych strumieniami wody. Jest to jedna z niewielu fontannowych rzeźb, jakie Calder kiedykolwiek stworzył. Praca jest stale wystawiana w ogrodzie okrągłego stołu dyrektora.
Flower Day (Dĩa de Flores) (1925) Diego Rivera
Diego Rivera z pewnością nie wymaga przedstawiania. Jego obrazy, w różnych mediach, w tym akwarelowych i olejnych, są znane na całym świecie. Ten obraz jest obowiązkowym dziełem! Centralnym punktem obrazu jest sprzedawca lilii calla. Kwiaty są oglądane z góry, co stanowi wyjątkową perspektywę. Ciekawa jest także kompozycja utworu, ponieważ postacie mają bryłę podobną do stylu, co jest techniką, którą Rivera doskonalił od kubistycznego malarstwa na początku swojej kariery. Po zdobyciu pierwszego miejsca na Pierwszej Panamerykańskiej Wystawie Malarstwa Olejnego w 1925 r. Został on uzyskany przez macierzystą instytucję LACMA - Muzeum Historii, Nauki i Sztuki w Los Angeles.
Diego Rivera Flower Day © Joaquin Martinez / Flickr
Płytka z przewijaną kwiatową arabeską (ok. 15 wieku), Wielki Iran
Ten ceramiczny element, będący częścią wystawy LACMA, Islamic Art Now - Part 2, pochodzi z XV wieku. Wystawa jako całość koncentruje się na połączeniu sztuki dawnej i współczesnej w różnych mediach i tematach. Ta płytka należy do rządów Timuridów w Iranie i Azji Środkowej. Budynki sponsorowane przez Timurids często ozdobione dekoracyjnymi płytkami, takimi jak ten. Kawałki płytki zostały wycięte z różnych zestawów płytek, z szeregiem różnych kolorów, aby stworzyć mozaikę, która połączyłaby się ze sobą, tworząc złożony projekt na zewnątrz konstrukcji. Najbardziej uderzające w tym kawałku jest to, że pomimo wieku i zużycia płytki, kolory czasu nadal pozostają żywe.
-
- Płytka © Beesnest McClain / Flickr
La Trahison des images (Ceci n'est pas une pipe) (1929) autorstwa René Magritte'a
Obraz ten jest nie tylko uważany za jedno z surrealistycznych arcydzieł René Magritte'a, ale jest również bardzo rozpoznawalny jako ikona sztuki współczesnej. Surrealizm był stylem sztuki, który silnie czerpał wpływy z psychologii freudowskiej. Symbolizował reakcję przeciwko „racjonalizmowi”, który według wielu osób przyczynił się do I wojny światowej. Jego obrazy słowno-obrazowe są jego przykładami niemożliwości połączenia słów z obrazami i przedmiotami. Magritte pracowała zarówno w reklamie, jak i jako artysta, a obraz z początku wydaje się uproszczony - prawie sprzedaje fajkę przedstawioną w tym utworze. Jednak pod słowami brzmi „to nie jest fajka”, co na początku jest mylące. Złożonym elementem jest to, że malowanie rury nie jest w rzeczywistości samą rurą, ale jedynie przedstawieniem rury. Wykorzystanie tekstu w obrazach wpłynęłoby na pokolenie artystów zorientowanych na koncepcję, takich jak: Jasper Johns, Roy Lichtenstein i Andy Warhol.
Zdjęcie: Daren DeFrank
Martwa natura z wiśniami i brzoskwiniami (1885–1887) Paula Cézanne'a
Paul Cézanne jest znany jako jeden z legendarnych malarzy postimpresjonistycznych XIX wieku. Jego obrazy obejmują różnorodne tematy, od pejzaży po portrety i martwe natury. Jego kultowe obrazy z różnymi ustawieniami stołu są natychmiast rozpoznawalne w świecie sztuki i poza nim. Cézanne użyła żywych kolorów i pociągnięć pędzlem, aby uchwycić intensywność obrazów, czego przykładem jest ten obraz. Punkty widzenia na obrazie są zróżnicowane. Wiśnie są widziane z powyższego punktu centralnego, podczas gdy brzoskwinie, pomimo ich bliskiej odległości, wydają się być oglądane bardziej w kierunku kąta bocznego. Szkło i prześcieradło towarzyszą ustawieniu stołu i są jednocześnie realistyczne, a jednocześnie bardziej abstrakcyjne, co jest typowe dla postimpresjonizmu. Ten utwór jest klasycznym przykładem urzekającego stylu Cézanne'a i obowiązkowego obrazu.
Zdjęcie Daren DeFrank
Cold Shoulder (1963) Roy Lichtenstein
Roy Lichtenstein należy do grupy artystów, którzy wykorzystali komercyjne obrazy w swoich pracach i je przekształcili. Style te stały się znane jako Pop Art i stały się modne w latach 60. Zastosowanie odważnych kolorów i linii tworzy obrazy w stylu komiksowym. Dokładny rysunek leży również płasko na płótnie, celowo nie wykorzystując wymiaru. Także zestawienie tekstu w tekście „Cześć” z kobietą zwróconą do tyłu tworzy interesującą dynamikę. Wykorzystując styl znany jako kropki Ben-Daya (drukarka), który jest zmechanizowanym procesem stosowanym w produkcji komiksów, Lichtenstein tworzy kobiecą skórę z ręcznie interpretowaną techniką.
