Wyspy Pacyfiku są jednym z najbardziej odległych miejsc na Ziemi i często pomijane na międzynarodowej scenie sztuki. Dzięki długiej historii kolonizacji przez kraje europejskie wyspy mają bogate dziedzictwo kulturowe i historyczne, które czerpie zarówno z własnych tradycji, jak i tradycji kolonialnych. Patrzymy na 10 najlepszych współczesnych artystów, których praktyki inspirowane są ich historią i kulturą.
Sofia Tekela-Smith
Sofia Tekela-Smith (ur. 1970), ma mieszane szkockie i rotumańskie pochodzenie, a dzieciństwo spędziła na wyspie Rotuma-Fidżi, zanim osiedliła się w Nowej Zelandii. Na jej sztukę ma wpływ jej polinezyjskie dziedzictwo i tradycje ozdabiania ciała. Tekela-Smith poszerzyła granice konceptualizacji, prezentacji i prezentacji swojej pracy - rzeźby i przedmiotów zdobniczych - by stać się „sztuką”, a nie „rzemiosłem”. Melodie ich skóry w kolorze miodowym (2003) to seria czarnych, płaskorzeźbionych sylwetek głów, każda ozdobiona kawałkiem biżuterii Tekela-Smitha.
Zainspirowane obiektami kiczowymi przedstawiającymi głowy Polinezji, Afryki i Aborygenów, popularnymi dekoracjami domowymi w latach 50. i 60. XX wieku, sylwetki kwestionują stereotypowe wizerunki Polinezyjczyków utrwalone przez strategie turystyczne kolonialnej przeszłości. Fotografie w Brown Eyes Blue (2004) również podważają stereotypowe postrzeganie polinezyjskich kobiet w zbiorowej wyobraźni. Pozując wyzywająco na czarnym tle, ręce, ręce i usta pomalowane na czerwono - kolor namiętności, niebezpieczeństwa, przemocy, krwi, świętości - z czerwonym kwiatem hibiskusa we włosach, noszą dużą szyjkę z masy perłowej na nagim torsie.
Sofia Tekela-Smith, Małe chmury Małe góry (detal), 2012, złota warga masa perłowa, pounamu, nitka woskowa, fotografia, lustro, 37, 5 cm średnica Dzięki uprzejmości artysty i Bartley + Company Art, Wellington
Michel Rangie
Michel Rangie (ur. 1950) czerpie inspirację ze swojego dziedzictwa kulturowego oraz duchowych i społecznych tradycji swojego miejsca pochodzenia, wyspy Vanuatu w Ambrym. Geograficznie odizolowana północna część wyspy nadal szeroko zachowuje plemienne zwyczaje i kastomski zwyczajowy rząd, prawo i religię. Różnorodne artefakty są tworzone, aby towarzyszyć rytuałom i ceremoniom, aby uczcić pamiątki i różnorodne wydarzenia. Na twórczość Rangiego wpływ mają te tradycyjne rzemiosła, jak widać w Mague ne sagran (ranking czarna dłoń) klasa 4 (ok. 2005), jednej z serii prac inspirowanych rzeźbami mague-figuratywnymi stworzonymi z myślą o męskich ceremoniach inicjacyjnych. Społeczeństwo ambrymskie jest zbudowane wokół wodzów, którzy podnoszą się o szereg stopni, a wzrosty rang są naznaczone ceremoniami i tworzeniem magów. Każda z totemicznych rzeźb, wykonanych z rzeźbionej czarnej dłoni i pomalowanych syntetycznymi kolorami, jest wyjątkowa, zgodnie z klasą społeczną wodza, któremu jest oddana.
John Pule
Niueanski artysta, powieściopisarz i poeta John Pule (ur. 1962) zajmuje się malarstwem, rysunkiem, grafiką, filmem i performansem. Jego twórczość czerpie inspirację z kosmologii i chrześcijaństwa Niuean oraz porusza kwestie migracji i kolonializmu. Tukulagi tukumuitea („Na wieki wieków”) (2005) łączy swoje osobiste narracje ze wszystkimi wyżej wymienionymi tematami. Pule zestawia obrazy Chrystusa zdjętego z krzyża z zasmuconymi ludźmi w opustoszałym krajobrazie. Androgyniczne postacie niosą duże ptaki, przedmioty i ludzi po drabinach, wywołując ruch kultur i systemów wierzeń. Piwonie na obrazie nawiązują do importu misjonarzy, w tym samych kwiatów, które stały się częścią lokalnej flory. Praca zdominowana przez czerwony kolor - krew i przemoc - sugeruje również możliwość odnowienia. Na pracę Pule ma bezpośredni wpływ jego zainteresowanie tradycją hiapo - odręczną tradycją sukna z Niue. Pochodzący z połowy XIX wieku hiapo łączy kultury zachodnie i niuejskie, łącząc dekoracje i obrazy tak różnorodne, jak zachodnie, tradycyjne, językowe, numerologiczne, morskie i botaniczne.
John Pule, Nieporozumienie, 2014, oleje, emalie, tusze, sztyft, poliuretan na płótnie, 200 x 200 cm Dzięki uprzejmości Gow Langsford Gallery
Sima Urale
Sima Urale (ur. 1968) jest pierwszą filmowczynią z Samoa. Jako współczesna narratorka wizualna, zachowuje samoańską tradycję mówienia lub fagogo. Na jej prace ma wpływ zarówno jej samoańskie dziedzictwo, jak i jej doświadczenie w przeprowadzce do zurbanizowanej Aotearoa - maoryskiej nazwy Nowej Zelandii. Jej wielokrotnie nagradzany krótkometrażowy film „O Tamaiti” (1996) „Dzieci” został nakręcony w Samoanie z minimalnym dźwiękiem i nakręcony w czerni i bieli, aby uniknąć kiczowatych stereotypów Samoa. Historia młodego chłopca zmuszonego do zabawy z rodzicem w niszczycielskich okolicznościach zdobyła Srebrny Lew za najlepszy film krótkometrażowy na Międzynarodowym Festiwalu Filmowym w Wenecji w 1996 roku. Drugi film krótkometrażowy Urale, Still Life (2001), koncentrujący się na wyzwaniach związanych ze starzeniem się closeknit Pākehā - nazwa Maorysów dla nowozelandzkiej pary dziedzictwa europejskiego, stała się pierwszym filmem krótkometrażowym Kiwi, który wygrał najlepszy film krótkometrażowy na festiwalu filmowym w Montrealu oraz nagrodę Special Recognition Award na szwajcarskim festiwalu filmowym Locarno.
Sima Urale, Samoa / Nowa Zelandia ur. 1969, O Tamaiti, 1996, Kapa Haka (Whero), 2003, filmy 35 mm i formaty Betacam SP: 15 minut, czarno-biały, stereo. Zakupiony w 2004 r. Fundacja Galerii Sztuki Queensland Grant / Kolekcja: Galeria Sztuki Queensland © Artysta
Aline Amaru
Tahitian Aline Amaru (ur. 1941) jest innowatorem tradycji pikowania i tkaniny pikowanej przez Tifaifai na Tahiti. Zwykle ozdobiona kwiatowymi lub abstrakcyjnymi wzorami, tifaifai jest obecna w Polinezji od początku XIX wieku, prawdopodobnie związana z wprowadzeniem robótek przez żony misjonarzy. Podejście Amaru do tradycji tifaifai łączy charakterystyczne wzory z jej własnymi narracjami, takimi jak przedstawienia scen historycznych. La Famille Pomare (1991) przedstawia scenę przedstawiającą pięć pokoleń rodziny królewskiej Pomare na Tahiti - ostatnią panującą monarchię przed przejęciem francuskiego panowania kolonialnego w 1880 r. Liczby te są przedstawione w porządku chronologicznym i odzwierciedlają spuściznę rodziny królewskiej na Tahiti. Praca Amaru łączy podniesioną aplikację z misternym haftem ręcznym, mniej znaną techniką szycia nana'o ze ściegiem paumotu, którego nauczyła się od swojej matki. Tifaifai zastąpił teraz także tradycyjną tkaninę z kory i jest ważnym przedmiotem ceremonialnym przekazywanym przez rodziny i pokolenia jako pamiątki.
Aline Amaru, Tahiti ur. 1941, La Famille Pomare (tifaifai) (styl Pa'oti), 1991, komercyjna bawełniana tkanina i nić w aplikacji i haftowanej technice, 237, 8 x 229 cm. Zakupiony w 2004 r. Fundacja / kolekcja Queensland Art Gallery: Queensland Art Gallery
Kalisolaite „Uhila
Artysta tongański Kalisolaite 'Uhila odwołuje się do różnych historii i przodków, a także codzienności i wielości bytu. Jego praktyka wykonawcza czerpie inspirację z tongańskich wyobrażeń o istnieniu i euroamerykańskich historycznych osiągnięć sztuki od lat 60. XX wieku. Jego eksperymentalne podejście wyraża idee w metafory, które określają sposób bycia, i odnosi się do jego rodzimej kultury, adaptując procesy kulturowe i historie do języka występu. Pigs In The Yard (2011) widzi, jak artysta dzieli pojemnik ze świnią. Kiedy Uhila próbuje współżyć ze świnią, odkrywa znaczenie tego zwierzęcia dla jego rodzimej kultury Tonga i bieżących problemów kolonialnych Wysp Pacyfiku. W Ongo Mei Moana. Ongo Mei Moana (2015): „Uhila prowadzi morze w Zatoce Orientalnej w Wellington przez sześć godzin, przez pięć kolejnych dni, od odpływu do przypływu. Artysta czerpie z tongańskiej oracji i choreografii, a także z rodzinnej linii marynarzy z Tonga, nosząc liście ngatu i si. Przedstawienie odnosi się również do oceanu jako do czegoś, co jednoczy ludzi, a nie dzieli, i łączy przeszłość, teraźniejszość, osobistość i świat.
Kalisolaite „Uhila, Ongo Mei Moana. Ongo Mei Moana, 2015, występ na żywo w The Performance Arcade 2015, Wellington Waterfront, Nowa Zelandia Dzięki uprzejmości artysty
Itiri Ngaro
Itiri Ngaro, artysta z Wysp Cooka (ur. 1973), przeszedł ze sztuk scenicznych na ruchomy obraz. Na jego twórczość ma wpływ jego doświadczenie muzyczne, teatralne, piosenki i taniec. Praktyka Ngaro jest autorefleksyjna, przedstawia miejską rzeczywistość, która łączy się z dziedzictwem Wyspy Cooka. Chociaż jego prace wideo są obciążone symboliką Pacyfiku, artysta uważa, że pomysły, które przekazuje, są wspólne i uniwersalne dla naszej egzystencji. Te 'Oki'anga o Te Vaerua (The Returning of the Soul) (2007) poetycko angażuje się w kwestie tożsamości kulturowej. Rysunki z piasku przekształcają się we wspomnienia mężczyzny próbującego uciec przed czymś, a może siebie. Na spokojnych plażach Zachodniego Wybrzeża człowiek wykonuje ruchy tańca współczesnego i tradycyjnego, zabierając widzów w podróż od udręczonych chwil do powrotu duszy. Ko te au ata mou kore (The Shifting Shadows) (2008) integruje sfery fizyczne, duchowe i mentalne za pomocą eksperymentalnych technik wizualnych. W grę wchodzą siły przeciwne: rzutowane sylwetki odgrywają problemy społeczne, takie jak nadużywanie alkoholu i alkoholu, podczas gdy inne przedstawiają anielskich przodków.
Maile Andrade
Artystka multimedialna Maile Andrade łączy współczesność z tradycją, tworząc dzieła odzwierciedlające jej rodzimy hawajski światopogląd. Korzystając z szerokiej gamy mediów oraz innowacyjnych technik połączonych z tradycyjnym rzemiosłem, Andrade wierzy, że sztuka jest potężnym środkiem do przedstawiania podróży własnego życia, a jej praktyka jest głęboko zakorzeniona w hawajskim dziedzictwie. Andrade bada i kwestionuje wykorzystanie i utrwalanie stereotypów postrzeganych przez wiele obiektywów, a także to, w jaki sposób etnografia i antropologia sprzeniewierzyły się praktykom kulturowym, kosmologii i duchowości. Artystka przywłaszcza sobie prawo do utożsamiania się z własnymi, kwestionującymi ludzi wyobrażeniami o stereotypowym rodowitym hawajczyku. Kahuli (2011) to instalacja koszy z lauhala i stapianego szkła, która nawiązuje do pojęcia I Keia Manawa - dnia dzisiejszego, gdzie rdzenni Hawajczycy stoją mocno, odwróceni plecami do przyszłości i spoglądając w przeszłość. Andrade angażuje się w napięcia czasu i przestrzeni oraz w wypaczanie faktów społecznych, kulturowych, politycznych i historycznych, tak jakby wydarzenia nigdy nie miały miejsca w sposób, w jaki je pamiętamy. To zamieszanie jest w ciągłym ruchu, ponieważ zmienia, zmienia i denerwuje ludzi, miejsca, sytuacje.
Maile Andrade, Ka Huli, 2013, instalacja ścienna z koszami lauhala Dzięki uprzejmości artysty
Paula Schaafhausen
Samoańska artystka Paula Schaafhausen odwołuje się do swojego dziedzictwa kulturowego poprzez zawłaszczanie zdjęć, materiałów, technik i narracji wizualnych w celu zaangażowania się w globalne problemy. W swoim projekcie z 2014 roku „Ebbing Tagaloa” artystka zwraca uwagę na kwestie globalnego ocieplenia, szczególnie w odniesieniu do Oceanu Spokojnego i jego wysp. Ze względu na podnoszący się poziom mórz wiele nisko położonych wysp Oceanii podlega trudnym przekształceniom, takim jak wyższy poziom zasolenia gleby i cofające się wybrzeża, by wymienić tylko kilka. W mitologii Samoa Tagaloa jest najwyższym władcą i tradycyjnie bogiem oceanu, który stworzył wyspy, niebo i morza. Schaafhausen odwołuje się do boga w swoich formowanych figurkach wykonanych z oleju kokosowego, koko Samoa i piasku. Ropa i koko są materiałami codziennego użytku na Samoa, podczas gdy piasek nawiązuje do lądu i mórz, które jednoczą mieszkańców Oceanii. Statuetki umieszczane są na niestandardowych tacach reprezentujących pięć głównych wysp Kiribati, które są jedną z zagrożonych nisko położonych wysp na Pacyfiku. Podczas wystawy figurki kruszą się i rozpuszczają wraz ze zmianami temperatury i atmosfery.
Jedna z grup postaci Tagaloi Pauli Schaafhausen na wystawie „Ebbing Tagaloa” w: en: Enjoy Public Art Gallery © Stuartyeates / WikiCommons
