Na pierwszy rzut oka grafika Wassily'ego Kandinsky'ego może cię pomylić; jak wszystkie te odmienne obrazy pochodzą od jednego artysty? Urodzony w Odessie, doświadczył zarówno rewolucji październikowej w Rosji, jak i powstania nazistów w Niemczech, zanim przeniósł się do Paryża, aby przeżyć resztę życia. Dzieła Kandinsy przeszły niesamowite zmiany - a dziesięć obrazów poniżej to świetny sposób na sprawdzenie dowodu.
Der Blaue Reiter (1903)
Kandinsky zostałby w końcu uznany za stworzenie pierwszego czysto abstrakcyjnego obrazu - ale Der Blaue Reiter nie jest nim. Ten obraz, ukończony w 1903 roku, jest dobrym przykładem jego wcześniejszych prac, które wykazują wpływy francuskiego impresjonizmu i, do pewnego stopnia, puentylizmu. W szczególności dzieło to zostanie w końcu zapamiętane z innego powodu - w 1911 r. Kandinsky znalazł się w grupie artystów niemieckich i rosyjskich, którzy założyli grupę Der Blaue Reiter lub The Blue Rider, w odpowiedzi na inny obraz jego odrzucenia z wystawa - choć jest mało prawdopodobne, że nazwał grupę po tym obrazie.
Der Blaue Reiter Wassily Kandinsky / WikimediaCommons
Murnau, Train and Castle (1909)
Obrazy Kandinsky'ego stopniowo stawałyby się coraz bardziej abstrakcyjne, a dzięki Murnau, Pociągowi i Zamkowi można zobaczyć przystanek po drodze. Kandinsky namalował go w 1909 roku, po tym jak podróżował przez większą część Europy, a następnie postanowił osiedlić się w Murnau - małym miasteczku w Bawarii. Na tym obrazie widać, jak kolor odgrywa prawie tak dużą rolę, jak kształty, które kształtuje, chociaż formy tutaj są same w sobie wyraźne; pociąg i zamek są widoczne, podobnie jak różne elementy tła.
Murnau, pociąg i zamek Wassily Kandinsky / WikimediaCommons
The Rider (1911)
The Rider, obraz z 1911 roku - na początku czasu Kandinsky'ego w grupie The Blue Rider - oferuje dobrą okazję do porównania i skontrastowania jego wcześniejszych i późniejszych prac, szczególnie biorąc pod uwagę, że tematyka tutaj jest bardzo podobna do powyższej Der Blaue Reiter. Koń i jeździec są tutaj wyraźni, ale są to tylko linie i kolory bez mniejszych szczegółów i sceny tła, które znajdziesz na wcześniejszym obrazie. To właściwie jedno z jego mniej abstrakcyjnych dzieł tego okresu, ale wciąż przechwytuje tę samą energię i siłę.
Jeździec © Wassily Kandinsky
Improwizacja 27 (1912)
Dla Kandinsky'ego, który często odnosił się do swoich obrazów terminami ogólnie zarezerwowanymi dla świata muzyki, „improwizacje” były utworami spontanicznymi i nieplanowanymi, podczas gdy „kompozycje” były bardziej skomplikowane i zaplanowane. Użył terminologii nie tylko przez przypadek; jako teoretyk sztuki widział wiele powiązań między sposobem, w jaki muzyka i sztuka abstrakcyjna mogą osiągać czyste uczucia i emocje - lepiej, czuł, niż dzieła realistyczne. Improwizacja 27 jest również nazywana The Garden of Love II, co daje nowy potencjał temu, co wyraża.
Improwizacja 27 © Wassily Kandinsky
Kompozycja VI (1913)
Kompozycja VI to abstrakcyjny utwór, który Kandinsky zamierzał przedstawić za pomocą konkretnych obrazów - konkretnie apokalipsy przez wodę oraz chrztu i odrodzenia - wszystko w jednym wielkim obrazie. Po drodze natknął się jednak na blok, który przeszedłby tylko po to, by poradzić przyjacielowi, aby powtarzał niemieckie słowo „powódź” (überflut), słysząc dźwięk, ale ignorując jego znaczenie. To pozwoliło mu uwolnić się od przemyśleń na temat utworu, a po tym przełomie ukończył go w ciągu trzech dni.
Kompozycja VI Wassily Kandinsky / WikimediaCommons
Kompozycja VII (1913)
Kompozycja VII jest swego rodzaju kulminacją lat Niebieskiego Jeźdźca, ponieważ jego zdaniem był to najbardziej złożony utwór, jaki kiedykolwiek namalował. Podobnie jak wcześniejsze kompozycje, ten obraz ma bardzo duchową stronę - podobnie jak większość dzieł Kandinsky'ego. Zamierzał nawiązać duchową więź między sobą a widzami poprzez obraz - kanał, który wywołał podobne odczucia po obu stronach. Choć może to wyglądać jak tylko plamy kształtów i kolorów, Kandinsky dostrzegł znaczenie dla każdego koloru i poskładał je w wielkim celu.
Kompozycja VII Wassily Kandinsky / WikimediaCommons
Punkty (1920)
Dzięki Punkty masz szansę zobaczyć następny kierunek obrazów Kandinsky'ego. Stopniowo stały się bardziej geometryczne w formie, a Punkty są dobrą ilustracją tego, jak wyobrażał sobie te geometryczne formy. Dwoma głównymi elementami jego obrazów w tym czasie były linie i punkty. Oba nabrały dodatkowych znaczeń w jego teorii; punkt jest jedynie formą obrazu, nieograniczoną do określonego koloru, rozmiaru lub kształtu. Linie są wynikiem działania przez artystę siły na narzędzie, pędzel lub ołówek, w określonym kierunku, a nawet kierunki i krzywe (lub ich brak) linii mają szczególne znaczenie dla Kandinsky'ego.
Punkty Wassily Kandinsky / WikimediaCommons
On White II (1923)
Jedno z jego najsłynniejszych dzieł, O Białym II, namalowane w 1923 r. (Trzy lata po Punktach, które namalowano w 1920 r.), Pokazuje postęp, jaki dokonał się w malarstwie geometrycznym Kandinsky'ego w stosunkowo krótkim czasie. Linie są wyraźniejsze, formy ostrzejsze - ale wszystkie rządziły zrozumieniem Kandinsky'ego, co oznaczają poszczególne linie i kolory, kiedy się połączyły. Dla niego biel symbolizowała całkowitą ciszę i całkowitą możliwość, a biel i czerń stanowią drugi wielki kontrast kolorów, który można również zobaczyć w tym utworze.
On White II © Wassily Kandinsky
Kilka kół (1926)
Kilka kół jest godnych uwagi ze względu na sposób, w jaki Kandinsky używa kolorów, przy czym idealne koła nakładają się, a ich kolory mieszają się, tworząc zupełnie nowe. Ważne jest również czarne tło - dla niego czarny symbolizuje, najprościej mówiąc, śmierć, ale także beznadziejność i nicość. Inne kolory jednak zwiększają ogólne wrażenie dzieła, które na pierwszy rzut oka wygląda raczej kolorowo i jasno, jak fajerwerki lub planety; każdy z nich miał swoje własne znaczenie, a także kombinacje między nimi. Na przykład niebieski jest kolorem, który dla Kandinsky'ego należał do nieba i miał wywoływać głębokie poczucie spokoju.
Kilka kręgów Wassily Kandinsky / WikimediaCommons
