Gdy wchodzimy w głąb współczesnego świata, ważne jest, aby zastanowić się nad sztuką i kulturą ludzi wywodzących się z Ameryki przed naszymi czasami. Historia rdzennych Amerykanów jest odzwierciedleniem osobistych, etycznych i społecznych walk. Na cześć Seneca Art and Culture Center w zniszczonym niegdyś stanie Ganondagan State Historical Site w Victor, Nowy Jork, oto 13 rdzennych artystów amerykańskich, których powinieneś znać.
Sztuka Indian Ameryki Północnej i Północno-Zachodniej © Ed Bierman / Flickr
Nampeyo
Uznana w wieku 20 lat za jednego z najlepszych garncarzy Hopi, Nampeyo („wąż, który nie gryzie”) udoskonalił rzemiosło, którego nauczyła się jej babcia, wykorzystując jako podstawę materiał z recyklingu. Jej starannie wykonana ceramika wykazywała styl, precyzję i trwałość, których niewielu może odtworzyć. Nampeyo jest dobrze znane z projektów wykorzystujących technikę znaną jako polichromia, która polega na użyciu wielu jasnych żywych kolorów, takich jak czerwienie, brązy, żółcie i głębokie czernie, pomalowane przeżutym liściem juki. Jej ceramika miała skomplikowany i naturalny motyw wykorzystujący figury geometryczne w połączeniu ze zdjęciami zwierząt i twarzy, a następnie uwieczniony za pomocą techniki wypalania, która pochodzi z XV wieku.
Ernie Pepion
Osobista historia Erniego Pepiona i jego triumf nad przeciwnościami losu są co najmniej tak wspaniałe, jak jego sztuka. Jako członek plemienia Blackfeet, Ernie Pepion spędził większość swojego życia jako ranczer i jeździec rodeo. Służył kilka tras służbowych w Wietnamie, ale niestety w 1971 roku brał udział w poważnym wraku samochodu, który spadł na wózek inwalidzki jako quadriplegic. Podczas powrotu do zdrowia w szpitalu uczył go malować inny pacjent za pomocą zmotoryzowanej sztalugi oraz aparatu do ręki i przedramienia. Jako inspiracja do przezwyciężenia fizycznych problemów Ernie Pepion był przedmiotem filmu dokumentalnego Ernie Pepion: The Art of Healing.
Indianin © griannan / Flickr
Ma-Pe-Wi (wilga)
Niewielu może wiedzieć, że prace Ma-Pe-Wi są postrzegane prawie codziennie przez wielu Amerykanów w całym kraju. Pochodząca z plemienia Zia Pueblo z Santa Fe w Nowym Meksyku Ma-Pe-Wi Velina Shije Herrera nie przeszła formalnego wykształcenia artystycznego, ale stała się jednym z najbardziej płodnych malarzy XX wieku. Jego abstrakcyjne projekty często przedstawiają codzienne życie Pueblo i ceremonialne tańce. Ma-Pe-Wi jest również dobrze znany ze stosowania leachiny, która jest duchem rzeczy w prawdziwym świecie głęboko zakorzenionym w kulturze Pueblo. Choć początkowo krytykowany przez własne plemię, Wi zezwolił stanowi Nowego Meksyku na wykorzystanie jego odtworzenia słońca Zia, które teraz zdobi flagę państwową.
Parr
Choć na pierwszy rzut oka jego wydruki mogą wydawać się dość uproszczone, projekty Parra nie tylko wyrażają istotę kanadyjskiej kultury Eskimosów, ale także przekształcają jego własne życie w sztukę. Parr żył koczowniczo przez większość swojego życia, a jego praca odzwierciedla równowagę między ruchem człowieka a przyrodą. Te charakterystyczne projekty podkreślają sceny symbolizujące podtrzymanie życia poprzez polowanie, łowienie ryb i człowieka przeciwko żywiołom. Praca Parra ma również cechy duchowe odzwierciedlone w jego użyciu starożytnych szamańskich podmiotów. Jego dzieło Hunters of Old zostało ostatecznie uwiecznione na kanadyjskim znaczku pocztowym z 1977 r.
Lucy M. Lewis
Często opisywana jako ceramika Pablo Picasso, Lucy M. Lewis zaczęła robić ceramikę w wieku ośmiu lat ze swojego domu w Acoma w Nowym Meksyku. Jej użycie cienkich linii pokazuje wyraźną równowagę kunsztu, precyzji i symetrii. Pomimo swojej biegłości i zdolności artystycznych Lewis nie miał formalnego wykształcenia i był w dużej mierze samoukiem. Została zaproszona do Białego Domu w 1977 roku i utrzymuje stałą kolekcję w Muzeum Smithsonian w Waszyngtonie Przez całe życie i swoją pracę Lewis otrzymał kilka wyróżniających się nagród, w tym Nagrodę Gubernatora Nowego Meksyku za wybitny osobisty wkład i uznanie od American Crafts Stowarzyszenie artystyczne Council College.
Kolekcja około 25 sztuk indyjskiej ceramiki Pueblo z (?) Kolekcji wielebnego dr. George'a Cole'a, ok. 1900 (CHS-2668) © Ashley Van Haeften / Flickr
Kananginak Pootoogook
Kananginak Pootoogook był człowiekiem naprawdę wśród żywiołów natury. Pomimo tego, że jest rzeźbiarzem atramentu i grafikiem XX wieku, większość swojego wczesnego życia spędził, podróżując od igloo zimą do domów sodowych latem. Jako artysta samouk, jego prace często dostrzegają przejście od tradycyjnego życia Indian Ameryki Północnej do współczesnego życia. Prace Pootoogook pokazują także wyraźną jedność i uznanie dla związku między człowiekiem a naturą. Jego odciski odzwierciedlają zwierzęta naśladujące cechy ludzkie i odwrotnie, pokazując równość współistnienia człowieka z bestią. Wśród wielu innych wyróżnień wystawa jego prac była pokazywana podczas Zimowych Igrzysk Olimpijskich w Vancouver w 2010 roku.
Bob Haozous
Najbardziej znany Bob Haozous zauważa, że „człowiek nie jest oddzielony od natury, ale jest jej częścią”. Praca Haozousa stanowi wyzwanie dla zachodniej filozofii wyprzedzającej rodzimą myśl. Chociaż służył w marynarce wojennej na USS Frank Knox w Wietnamie, Bob Haozous nigdy nie zapomniał o początkach Apaczów w walce z rasizmem i marginalizacją rdzennych mieszkańców Ameryki. Choć jego przekonanie było silne, jego praca odzwierciedla również humorystyczny pogląd na poglądy społeczne i środowiskowe. Obrazy i rzeźby Boba Haozousa można oglądać w kraju i za granicą w miejscach takich jak Apache Holocaust Memorial w Dartmouth College i West Phalian State Museum w Niemczech.
Sztuka Indian Ameryki Północnej i Północno-Zachodniej © Ed Bierman / Flickr
Juane Quick-to-Sea Smith
Charakterystyczna mieszana sztuka Juane Quick-to-Sea Smith jest ucieleśnieniem zarówno jej kultury indiańskiej, jak i niespokojnego dzieciństwa. Porzucona przez matkę Smith łączy swoje osobiste wyzwania z wyzwaniem pokonywania mitów i stereotypów rdzennych Amerykanów. Każda z jej unikalnych mieszanek malarstwa, obrazów i tekstu opowiada indywidualną historię osobistych przeciwności i potrzeby zniszczenia status quo. Jej prace są szeroko prezentowane w Smithsonian w Waszyngtonie, Whitney Museum i Museum of Modern Art. Wśród wielu wyróżnień Smitha znalazła się jej Nagroda za całokształt twórczości od klubu kobiet dla sztuki.
Calvin Hunt
Jego potężne i efektowne rzeźby w drewnie dają widzowi głębokie spojrzenie na kulturę Kwakwakawakw na północno-zachodnim wybrzeżu Pacyfiku w Kanadzie. Ręcznie rzeźbione słupy, maski i stroje taneczne Calvina Hunta są rzeźbione z czerwonego cedru. Jego użycie jaskrawych czerwonych i niebieskich farb ożywia jego wyobrażenia o zwierzętach i ludziach z niepowtarzalnym poziomem realizmu i potężnymi obrazami. Praca Calvina Hunta ma na celu ukazanie świata poprzez symboliczne zjednoczenie zwierząt i legend. Jego niezwykłe dzieło jest tak silne i szczere, że ma własną galerię w Royal Academy of Arts w Kolumbii Brytyjskiej.
Julia Jumbo
Julia Jumbo, powszechnie uważana za jedną z najlepszych tkackich tkanin Navajo, jaka kiedykolwiek żyła, jest znana ze swoich zawiłych projektów połączonych z najwyższą precyzją. Jumbo najlepiej rozpoznaje się po użyciu granicy „stokrotki”, która pochodzi od legendarnego tkacza o imieniu Daisy Taugelchee. Jej gobeliny są doskonale wykonane przy użyciu prostych szpilek i symetrycznych wzorów, otoczone uderzającymi jednolitymi granicami czerni i bieli. Wykorzystała swój talent do tkania jako sposobu na przezwyciężenie dziecięcych zmagań, a także jako odzwierciedlenie zarówno porządku osobistego, jak i społecznego.
Sztuka indiańska © PublicDomainPictures / WikiCommons
Jane Ash Poitras
Z pewnością ma wyjątkowe pochodzenie. Jane Ash Poitras początkowo była szkolona na mikrobiologa, ale czuła, że jej prawdziwym powołaniem była artystka mieszana i malarz. W ramach ruchu Dada (awangarda z początku XX wieku) Poitras starała się pokazać siłę swojego pochodzenia Cree (największa grupa rdzennych Amerykanów). Jej prace są najbardziej znane z bogatych obrazów świętych indiańskich symboli, takich jak orzeł. Jednak jako chrześcijanka jej dzieło zawiera również silny element duchowy, który jest widoczny w Jezusie, Maryi i Józefie. Sztukę Poitrasa często postrzega się jako wyzwanie dla przymusowej asymilacji kultury tubylczej.
Faye HeavyShield
Dzięki połączeniu duchowości i feminizmu Faye HeavyShield stała się jednym z czołowych artystów-instalatorów tego stulecia. Pochodzi z Alberty w Kanadzie i słynie z transformacji postrzegania obszaru i przestrzeni poprzez powtarzalne korzystanie z obiektów. Symbolika stosowana jako charakterystyka siły kobiet we współczesnej kulturze przeskoczyła ją na czoło kanadyjskiego ruchu feministycznego. Użycie koloru Faye HeavyShield nadaje jej pracom silną humanistyczną jakość, a jej spirytualizm znajduje odzwierciedlenie w powtarzającym się używaniu wimple (nakrycia głowy noszonego przez zakonnice), jako motywu kobiecego związku z Bogiem.
